Busca 4 mujeres artistas latinoamericanas que consideres que merecen reconocimiento mundial.
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Tarsila do Amaral (1886-1973) Brasil
Tarsila do Amaral es la artista brasileña más famosa del siglo XX, pero hasta hace poco, su trabajo recibía escasa atención fuera de su país de origen. El año pasado, el Art Institute of Chicago se convirtió en la primera institución de los Estados Unidos en presentar una exposición individual de la obra de la pintora modernista (ahora está a la vista en el Museo de Arte Moderno de Nueva York).
Do Amaral llenó sus lienzos con escenas vibrantes de la vida brasileña y los poderosos y abundantes cuerpos de figuras femeninas. Estas pinturas inspiraron el movimiento de la Antropofagia de Brasil, que incitó a los artistas a definir un nuevo y único estilo brasileño al “canibalizar” aspectos definitorios del arte occidental. En el proceso, la práctica de Amaral ayudó a dar forma a la identidad nacional poscolonial de su país.
María Izquierdo (1902-1955) México
María Izquierdo era una madre soltera que criaba a tres hijos cuando sus retratos y pinturas de interiores místicos y surrealistas comenzaron a hacer olas en la Ciudad de México en la década de 1930. Anteriormente, había asistido a clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes de la capital, donde el renombrado muralista Diego Rivera elogió sus primeros trabajos. Desde entonces, Izquierdo desarrolló una práctica que “rechazó el arte político que prevalecía en su momento”, como ha señalado la crítica Holland Cotter, y en su lugar mezcló elementos del mito y la cultura popular mexicana con contenido relacionado con su propia identidad, emociones y subconsciente. En 1930, montó una exposición individual de su obra en Nueva York, convirtiéndola en la primera artista femenina mexicana en hacerlo (incluso antes de Kahlo).
Lygia Clark (1920-1988) Brasil
Lygia Clark fue una de varias artistas en la década de los sesenta en Brasil para ser pionera en el arte interactivo e inmersivo, un intento de romper los límites entre el arte y la vida. Clark comenzó su práctica radical explorando la abstracción geométrica en un momento en que el realismo era todavía el motivo dominante en Río de Janeiro. Obtuvo inspiración temprana de modernistas europeos como Paul Klee y Léger, pero rompió con su estilo al llevar las formas duras de sus pinturas al espacio tridimensional. Sus lienzos sobresalían en el aire, y ella comenzó a hacer esculturas angulosas, sus famosos “Bichos (Critters)” con la intención de ser manejados por los espectadores.
Junto con otros artistas de Río de Janeiro, Lygia Pape y Hélio Oiticica, Clark fundó el movimiento Neo-Concreto, que fomentó la participación, la experimentación, la sensualidad e incluso el discurso político dentro de la abstracción. Más tarde, Clark gravitó hacia el cine y el arte interpretativo como un medio para expresar su creciente deseo de acercar el arte y la vida. Finalmente, comenzó a centrarse menos en la creación artística y más en su práctica como psicóloga. A partir de las primeras observaciones de las personas que jugaban con sus esculturas, Clark desarrolló métodos en los que los pacientes interactuaban con los objetos como parte de su proceso de curación.
Lygia Pape (1927-2004) Brasil
Al igual que Clark, Lygia Pape sentó las bases para innumerables artistas experimentales que buscaban cerrar la brecha entre el arte y el mundo que lo rodea. La práctica de Pape también creció desde un interés inicial en la abstracción geométrica, pero rápidamente se movió hacia la performance, la instalación y el cine como un medio para explorar las dimensiones sociales del arte. Ella hizo libros que estaban destinados a ser retenidos y reorganizados, y coreografías de actuaciones grupales.
Su trabajo más destacado The Divisor (1968), fue activado por un gran grupo de escolares de una favela de Río de Janeiro. Al asomar la cabeza a través de agujeros en una enorme sábana blanca, sus movimientos individuales se restringieron a medida que se metamorfoseaban en un solo organismo. En ese momento, Brasil fue gobernado por una dictadura, y la pieza de Pape comentó audazmente sobre las limitaciones a las libertades personales impuestas por el gobierno.
Sus películas fueron igualmente experimentales y audaces. En Eat Me (1975), ella filmó una boca de cerca mientras chupa y grotescamente escupe varios objetos. La pieza alude simultáneamente al “canibalismo” del movimiento antropofagia de do Amaral y la violencia que plagó cada vez más a Brasil.
Zilia Sánchez (1928) Cuba
En la década de 1960, Zilia Sánchez reinventó la abstracción geométrica de bordes duros al introducir lienzos en forma y formas onduladas que evocaban la sensualidad y el erotismo. Nacida en Cuba, Sánchez creció en los años difíciles antes de la revolución y comenzó su carrera como pintora y diseñadora de escenarios para grupos radicales de teatro guerrillero. En 1964, viajó a Nueva York, donde comenzó a hacer pinturas en forma, una práctica que desarrolló aún más en Puerto Rico después de establecerse allí a principios de los años setenta.